Un film pour questionner les limites posées à la jeunesse. Ici, des jeunes (pour ne pas dire des gamins) plongent dans les extrêmes, face à une répression qui l’est tout autant. Over the edge décrit cet effet d’escalade au travers d’affrontements directs et de défiance entre jeunes et vieux…

Un traitement qui laisse perplexe, car le film est vraiment difficile à croire dans sa démesure. La volonté de contrôle est incarnée par des policiers bourrus bien trop caricaturaux pour espérer sortir des sentiers battus, la détresse par des parents plutôt laxistes, et la révolte par des jeunes fatigués de se laisser dicter leur comportement. Au fond, rien de bien novateur, pour une surenchère de situations grossies et peu crédibles, dans un film qui a vraiment assez mal vieilli !

Néanmoins, une énergie de groupe, du côté des jeunes, qui réussit toutefois le pari de les rendre attachants, même si écervelés, pour leur fougue et leur naïveté au moins. Une violence mêlée au kitch qui rappelle par certains côté Les guerriers de la nuit de Walter Hill, le fun en moins. Un dénouement plutôt déplorable, puisqu’en guise d’accomplissement, la société n’offre que prison aux jeunes, qui ne reluisent pas franchement d’intelligence en semblant fiers d’y être emmenés… Consécration d’une mise au ban de la morale des adultes ? Super, et après ?!

Brûlot un peu vain, puisque le message se réduit à « ne les enchaînez pas où ils vont vous exploser à la figure »… Un brin réducteur, non ? Il y a tant de choses à construire ensemble, et non dans une guerre de générations, qu’Over the edge réussit presque à révolter grâce à ce parti-pris dépassé, et non par empathie d’une jeunesse muselée…

V.D.

Avignon, théâtre de la Manufacture, 20 h 45. Hormis un tabouret, il n’y a rien sur scène. Jean-Marc Mahy entre : «Bonsoir, je m’appelle Jean-Marc Mahy. Je ne suis pas acteur, mais je vous invite à revisiter mon passé.»

Par des gestes précis, il déroule du scotch blanc sur le sol, afin de délimiter la taille de la cellule, celle dans laquelle il va passer plusieurs années. Jean-Marc Mahy a passé près de 20 ans derrière les barreaux et il va, pendant une heure trente, revenir sur ce qui l’a mené jusque-là, du vacarme de son adolescence délinquante au silence assoourdissant de l’isolement total, au fond du cachot.

Un homme debout est un cri, mais un cri positif, celui d’un homme auquel la vie a beaucoup appris, et qui a besoin de lui rendre quelque chose.

A l’isolement, il a fêté ses 20 ans seul, imaginant que les 20 frites qu’on venait de lui apporter signifiait les 20 bougies qu’il ne soufflerait jamais.

Il a passe 6 diplômes en prison, y a lu Baudelaire, Zola, Albert Londres, a fait le tour des religions, s’est aménagé une vie intérieure, elle l’a sauvé. Ce ne fut pas de cas de certains de ses co-détenus, qui sont morts de ne pas savoir lire, de ne pouvoir trouver les ressources à la survie au cachot, car c’est bien de cela qu’il s’agit.

Il a aussi été sauvé par la radio et sa programmation, attendant chaque émission comme autant de cours qu’il n’avait pas eus : la science, l’histoire, le théâtre… Autant de moments que le prisonnier attendait comme une bouffée d’air et le tissage de liens avec l’extérieur, avec la vie. Et il y avait aussi Macha Béranger, qui rythmait ses nuits, et a laquelle il aurait voulu se confier. Il le fait désormais dans son spectacle.

Que l’on ne se méprenne pas : Jean-Marc Mahy ne cherche pas d’excuses à ses actes et la pièce témoigne du respect de ses victimes, jusque dans les applaudissements de fin, qu’il ne peut accepter. Nous sommes ici dans autre chose : certes, il s’agit de theâtre (la qualité du jeu et de la mise en scène en témoignent), mais il est question de réalité, ou du moins du récit d’une réalité qu’il a entrepris de changer. Il est désormais écouté par les politiques de son pays, la Belgique, et les choses bougent.

Jean-Marc Mahy parle avec le public à la suite de sa pièce, lorsque celui-ci a envie de prendre le temps de mieux comprendre sa démarche. Il  est disponible à ceux qui veulent l’entendre, et il poursuit sa mission à travers l’Europe, présentant sa pièce dans de nombreux lieux, au-delà des théâtres.

Au début de cette performance, Jean-Marc Mahy dit ne pas être un acteur, il est en vérité plus que cela : auteur, interprète et acteur réaliste d’une pièce que sa vie lui a imposée, Mahy montre que le theâtre est capable d’aller au-delà du discours, au-delà de la dénonciation, et d’infléchir le monde.

Virginie Spies

Source: Semioblog

Cet homme debout, c’est peut-être l’OVNI du festival.

En prison, il est abandonné de tous, famille, avocat, aumônier, il résiste aux humiliations, aux mauvais traitements, la radio lui ouvre des portes, il y glane une éducation, y perçoit des perspectives, elle l’aide à se relever.
Finalement il sort de prison, plusieurs diplômes en poche, fait une formation d’éducateur pour jeunes délinquants et désormais se consacre à tenter de faire que ceux qui sont un peu ses petits frères évitent le pire.

Jean-Michel van den Eeyden du théâtre de l’Ancre a aidé Jean-Marc Mahy à porter son témoignage en assurant la mise en scène, soignée. C’est un témoignage choc. Est-ce un spectacle ? L’auteur interprète ne revient pas saluer le public saisi d’émotion qui applaudit la scène désertée.

Alain Pécoult

Source: LaProvence.com

Vous ne l’ignorez plus, La Biennale s’ouvre aujourd’hui!

Et l’on commence par un petit bijou inédit, confrontant cinéma, danse, texte, théâtre et bricolages de génie. Kiss & Cry est un objet cinéchorégraphique plus qu’étonnant, qui invite le spectateur à assister au même instant à un spectacle chorégraphique singulier, à une séance de cinéma ainsi qu’au making of du film.

L’Ancre est tout aussi ravi faire partie de l’aventure, en accueillant le dans le cadre de la Biennale de Charleroi/Danses 2011,  Still Alive – Vanitas de Barbara Mavros Thalasitis,  artiste en résidence à Charleroi/Danses depuis 2008.

Pour découvrir l’ensemble de la programmation de ce festival consultez la brochure de la Biennale ou le site de Charleroi/Danses.

Atelier Jeux Critiques

KICKS! démarre dans quelques jours… voici ce qui vous attend pour cette semaine:

Overture officielle du festival à 18h30 avec le vernissage de l’exposition « Jeunesses exposées » par les élèves du cours pluridisciplinaire de Michel Mousset de l’Académie des Beaux-Arts de  Châtelet. Plus d’infos ici.

Durant tout le  festival, L’Ancre accueillera l’exposition de leurs œuvres (installations, peintures, dessins, photos, sculptures). L’expo restera accessible du mercredi 15 février au vendredi 23 mars dès 19h, les soirs de représentation à L’Ancre. En journée, sur réservation. Entrée gratuite.

Nous continuons la soirée avec la première représentation en Belgique de la dernière production de L’Ancre: Les bonnes intentions, de et par Cathy Min Jung, mis en scène par Rosario Marmol Perez. Auteure et interprète, Cathy Min Jung part de son récit de vie et vous emmène à la rencontre de ces trois êtres abîmés dont la vie quotidienne, de mensonges en petites cruautés, se transformera insidieusement mais inexorablement en un combat acharné. Histoire de vous souffler avec une poésie, sombre et pure à la fois, que l’enfer peut être pavé de bonnes intentions… Plus d’infos ici.

Dès la fin de la représentation du spectacle Les bonnes intentions, DJ Vice & DJ Eskondo vous attendent aux platines et nous vous attendons au bar pour finir la soirée en beauté!

CHARLEROI IS GONNA « KICKS! » YOUR ASS!! LE FESTIVAL KICKS! DEBARQUE A CHARLEROI POUR 40 JOURS EXPLOSIFS !! LE PAYS NOIR VIBRERA AU RYTHME DE LA JEUNESSE JUSQU’A L’AUBE DU PRINTEMPS!

Découvrez tout de suite le clip du festival, réalisé par le KLUH Team ICI

Tout faire exploser. C’est ainsi qu’ils entrent en scène. Pourtant, en apparence, les adolescents de Wow sont plutôt peu soucieux de chercher à changer le monde qui les entoure. L’envie de révolte qu’on aurait volontiers senti bouillir en eux est assez vacillante. Des jeunes comme déconnectés de leur époque, alors qu’en 1968, l’essor du mouvement hippie constitue pourtant la principale toile de fond.

L’argument du documentaire, et ce qui fait toute son originalité, tient dans la phrase d’amorce : « les événements les plus importants dans la vie des gens sont ceux qui ne se produisent jamais ». C’est pourquoi des séquences fantasmées, à la limite de l’égotrip, scénarisées par les ados eux-mêmes, entrecoupent leurs discussions abordant, entre autres, sexualité, drogue, vision de la famille, appréhension du monde des adultes…

Ce qui prédomine dans ce groupe de 9 jeunes, c’est le malaise latent qui se traduit par un fort besoin d’évasion, de se construire des repères, de revenir à la nature. L’envie de retrouver des plaisirs simples, comme apprécier des moments de sérénité, passés autour d’une mélodie planante à la guitare. Jusqu’à l’angoisse d’une renaissance, à l’écoute de premiers cris dont on ignore la provenance…

Conscience de leurs limites ou confort de l’inertie ? La question peut se poser à l’examen de ces jeunes parfois assez étonnants d’oisiveté. C’est néanmoins sans jugement que Claude Jutra pose un regard tendre sur cette jeunesse flottante, entre deux eaux… Comme à l’aube de quelque chose, preuve s’il en fallait encore que l’impression d’appartenir à une génération sacrifiée n’est en rien symptomatique d’une seule époque.

S’il y a une perle à retenir du documentaire, c’est sans conteste la séquence graphique, limite expérimentale, du rêve de Monique, qui passe du carrousel à une sensation de flottement et de liberté, nous portant au rythme halluciné des rebonds de sa silhouette…

En conclusion, focus sur le jeune Pierre lors d’une séquence assez émouvante, rappelant que devenir adulte, c’est devoir à un moment faire le deuil de son enfance, et accepter que les moments d’insouciance à s’amuser de petits riens n’appartiennent plus qu’aux souvenirs. Comme une manifestation de l’empathie de Claude Jutra, revivant ce propre deuil de ses jeunes années. Et sous forme d’hommage, la plus belle preuve qu’il n’a, au fond de lui, pas pris la moindre ride …

V.D.

NB : Pour ceux qui l’auraient manqué, il est possible de voir le documentaire de Claude Jutra en ligne sur le site de l’Office National du Film du Canada : http://www.onf.ca/film/wow

Un carré au sol. Des pieds de micro épars. Des passants intrigués par cette installation nue.

Des personnes de tout âge s’avancent sous les feux des projecteurs et prennent place dans l’espace étriqué. Sans un mot, armés de leurs seules bouteilles d’eau, des héros d’un jour sont nés, même si tout le monde n’a pas encore eu le temps de l’assimiler. La composition du groupe surprend d’abord tant il semble hétéroclite, dépareillé. Et pourtant, la cohésion apparaît quasi instantanément.

Sur les premières notes d’Architecture in Helsinki, une énergie bon enfant s’empare des corps, et les citoyens jusqu’alors anonymes se transforment littéralement en interprètes survoltés ! Ici, l’enjeu n’est pas d’être réaliste (le décalage entre voix et physique est assumé et parfois assez savoureux) mais bien d’être crédible ! L’énergie communicative se propage à la foule encerclant les héros d’un jour, et c’est bientôt toute la place qui bouge sa tête en rythme.

La configuration, astucieuse, ne laisse aucune direction négligée, permettant à l’ensemble du public de goûter au regard de l’un ou l’autre des héros. L’absence d’estrade et la proximité induite par l’espace de jeu devient presque intimidante, au contact de chanteurs aussi bien dans leurs rôles. Il ne tient qu’au public de changer de point de vue et de créer un mouvement tournant ; pourtant peu osent s’y aventurer ; des spectateurs sans doute trop bien éduqués ? Circulez, il y a tant à voir…

La posture, assurément, est singulière. Le choix d’une intervention dans l’espace public est porteur de sens, irruption insolite, franchement culotée, ce qui décuple tout autant la joie de découvrir l’interprétation des personnes en jeu.

Le traitement l’est tout autant. Ici, pas question d’uniformisation et de synchronisation comme on pourrait en voir en flash-mob… Le groupe est ici un véritable révélateur d’individualités, et non un espace qui permet de se faire oublier. Il n’y a qu’à voir les regards complices échangés entre ces chanteurs d’un jour pour s’en assurer. C’est de la différence de tons, des moments de fragilité, et des petites imperfections que la performance tire sa force et touche vraiment droit au cœur, car rappelant que le « We » reste à la portée de tous.

Le choix des titres, bien pensé, est également garant d’un bel équilibre pour la performance. On s’amuse du sens et du décalage que peuvent prendre certaines des chansons. Du « Control yourself » de MGMT, comme mise en abîme de la performance, au « This is my life » qui hurle « Je suis ici et j’existe, merde » !

Alternant avec fougue entre énergie contagieuse, humanité sublimée des interprètes, ou scansion assassine, le set est riche en couleurs et surtout riche des émotions qu’il suscite, tant chez les héros que chez le public, touché par redoutable effet de miroir.

Et lorsque retentissent les dernières notes de « Rebellion (Lies) », hymne vibrant dont Arcade Fire se retrouve dépossédé pour notre plus grande joie, on s’en retourne ailleurs, un peu étourdis, des étoiles plein les yeux… Jusqu’à se surprendre à fredonner. David Bowie n’aurait pas rêvé mieux…

V.D.
(critique basée sur la représentation jouée à l’ouverture du festival Les expressifs à Poitiers, 06/10/11, Fr)

¤ Bonus track !

Tout commence avec une sensation d’intimité sur un plateau démesuré. Des sourires devinés dans les ombres rougeoyantes d’un chœur improvisé. Puis démarre une narration éclatée, accélérée, effervescente. Les boîtes crâniennes ne sont pas loin d’avoir la rage, totales ébullitions. La cavalerie utopiste, enthousiaste et bancale, communique sa furieuse envie de renverser l’ordre établi.

Un ordre que déconstruisent, dans des tirades aussi absurdes que fleuries, les 5 protagonistes, tous affublés de l’incongru sobriquet de Francis. « Au commencement était le Verbe » ? C’est en tout cas là que démarre le Raoul collectif, avec un travail d’écriture gargantuesque pour retourner, décortiquer les mots, leur (re)donner du sens. Des mots écorchés qu’on s’amuse de voir revêtir une toute autre portée, au gré du contexte, dans un style qui évoque celui d’un certain Alain Robbe-Grillet pendant l’écriture de Djinn, roman tout aussi jouissif, redoutablement manipulateur.

On pourrait s’appliquer, s’appliquer encore, à se concentrer sur les faits, uniquement, mais sans latin, surtout sans latin. Au lieu de ça, la révolution commence à l’échelle de l’intime, d’un simple mensonge, pour ne pas décevoir les attentes, un mensonge motivé par la pression sociale, un mensonge qu’il est bien plus confortable de prendre soi-même au sérieux. La réalité ne tient qu’à la conviction, après tout. Et l’équilibre ne tient qu’à la proportion entre loups, chevreuils et mousse. Tout est sous contrôle. Enfin, c’est ce qu’on croyait, jusqu’à l’apocalypse, l’hystérie, la chute de terre.

Si la narration se construit pas à pas pour construire du liant et canaliser le propos, ce n’est pas tant le fil rouge qui retiendra l’intérêt que le plaisir de ne plus savoir où le récit nous mène. Nous avons perdu notre chemin, et alors ? Tant mieux !

C’est comme une prise de risque qu’on apprécie Le signal du promeneur : un essai transformé pour une pièce atypique, dense sans virer à l’overdose, et surtout rafraîchissante car bien loin des sentiers battus…

V.D.

Questionnant notre rapport à la violence, et dans une moindre mesure notre voyeurisme, Pour rire pour passer le temps est une pièce qui cherche à éviter de donner des réponses prémâchées… Avec un pareil titre, à la lecture de l’argument, on aurait pu s’attendre à un déluge de trash surfant sur la vague du torture-porn (popularisé par les films Saw, Human centipede et autres Hostel…), mais point d’excès à déplorer de ce côté-ci. Les considérations morales bateau sont ici esquivées car le point de vue adopté est celui d’un personnage ambivalent, et non celui de la victime, comme d’accoutumée.

Cette ambivalence est accentuée par le choix d’un seul en scène. La voix-off de son acolyte « bourreau ordonnateur » et l’absence de la victime, ficelée à la chaise, virtualise le rendu. En contrepoint, la mise en scène épurée, sans renfort permanent d’artifices, replace la violence dans une réalité et un quotidien (ici une salle d’études) qui lui redonnent une certaine crédibilité.

Cependant, certains partis-pris semblent discutables. Si le bourreau « voix-off » est plus ou moins diabolisé ici, l’intervention régulière du larsen pour appuyer ses réclamations est assez confuse. Si ce « vrai responsable » a un côté Jiminy Cricket croisé avec M. Hyde, on regrette finalement qu’il ne soit pas simplement un pendant de la conscience du protagoniste, mais bien un personnage extérieur. La folie qui guette et amène une tension sur le plateau aurait gagné à être plus développée, au lieu de s’en tenir à la banale justification de « prouver sa toute-puissance » pour justifier de la violence.

Difficile de souscrire au point de vue qui avec une certaine complaisance rejette la faute en bloc sur le « bourreau en voix off » en humanisant le personnage « manipulé » et en le victimisant. La victimisation, après tout, est consentie : rien n’aurait, dans le fond, empêché le protagoniste de prendre le taureau par les cornes, et s’affirmer en refusant d’être partie prenante de ce jeu à priori « innocent ». Sans surprise, car on devine que ce jeu ne s’arrêtera que quand il aura été trop loin. Et si l’objectif n’est pas de tirer à boulets rouges sur le(s) responsable(s) mais bien d’étudier l’influence d’une dynamique de groupe, c’est de corps, paradoxalement, que va manquer le propos, à cause du choix, pourtant louable, de dématérialiser les deux personnages « sans surprises », bien rangés de leur côté de la barrière séparant le Bien et le Mal.

Les questions sont bel et bien ouvertes, et la pièce est à la hauteur de ses ambitions puisque les échanges qui suivent sont animés et intéressants. Pourtant reste l’impression que dans l’intention, le serpent se mord parfois la queue, et qu’à l’image de son protagoniste, la pièce est sur la tangente…

V.D.

Spider baby est une toile horrifique de Jack Hill tissée autour d’une famille pour le moins particulière. Ce sont trois enfants atteints de dégénérescence (dont l’aîné rappelle furieusement les Freaks de Tod Browning) qui sont au centre du propos du cinéaste. Elevés par un chauffeur qui assure leur tutelle en essayant de les préserver du monde, ces gosses paumés, sans repère autre que celui de la loi du silence, voient leur quotidien basculer lorsque des membres éloignés de leur famille décident de leur rendre visite. Pour protéger leur secret, les enfants Merrye vont gravir à vitesse grand V les échelons de la violence.

Le film, tout d’abord, est fort de sa bande originale rappelant les grands thèmes de Bernard Hermann (principal collaborateur d’Hitchcock) qui instaure une ambiance et donne une couleur à chaque séquence… comme autant d’états d’âme des personnages. Un certain nombre de bonnes astuces, une bonne gestion des clairs/obscurs, et le côté bricolo de l’ensemble (le monte-charge !) permettent de livrer un film généreux même si on devine par moments un budget de production assez fauché.

Il semble assez vain de s’attarder sur la violence des faits, relativement prévisible au vu de l’accueil réservé à un pauvre coursier au début du film. En effet, malgré une mécanique et certaines séquences proches des codes du slasher (ce qui, en 1964, est plutôt neuf !), l’horreur n’est pas à prendre au sérieux tant les grands enfants, finalement, suscitent une certaine tendresse, avec leurs blessures, leur logique naïve, leurs trous dans la chaussure.

Sans tomber dans l’apologie d’un retour à la loi sauvage (la famille évoque souvent dans son fonctionnement une tribu), Jack Hill partage son amour d’une certaine jeunesse « cramée », avec son araignée au plafond. C’est dans un twist assez peu surprenant qu’il finira par poser la question de ce qu’il nous reste à tous de cet instinct, récessif ou dormant, mais assurément là, ne demandant qu’à éclore. Le bébé araignée de Jack Hill, ainsi, déploie ses longues et fines pattes, et sous ses allures somme toute assez classiques, se révèle délicieusement subversif.

V.D.

Un texte, deux voix. Celle du protagoniste, et celle du musicien, en écho.

Un texte pour dépeindre l’ennui, pour dégueuler une vie dénuée de sens, dégueuler l’envie de violence, juste pour se sentir physiquement présent. Un texte à l’écriture truffée de références, plus ou moins digérées, des fois resservies à peine remâchées. Vaguement écœurant.

Une mise en scène relativement dynamique, personnage catapulté d’un bout à l’autre de son espace clos. Lumières éclairant un rictus, ou l’engloutissant dans un fondu au noir très cinématique.

Une ambiance sonore délibérément pesante. Des interludes musicaux fluides, une énergie punk pour appuyer le propos. Une danse où comme possédé, le jeune branleur brille par son interprétation, tout en rage plus vraiment contenue.

Mais un journal sans objectif apparent. A part dépeindre un état de fait où l’excès devient seul refuge. L’excès de néant. Abusif ? Abusif. Comme lui, nous sommes ennemis, nous sommes l’ennui.

Au final, on ne sait pas trop apprécier ce jeune branleur. Difficile de s’y identifier vu l’excès du propos. Si pas avec, sommes-nous néanmoins contre ? Critique un peu facile : à nous la honte d’être si conformistes et cannibalisés par le système, dévorés par la seule réalité, celle télévisuelle ? Ce serait réfuter d’autres alternatives à ce système décrié, penser le monde incapable de recul et d’esprit critique. Complètement prétentieux.

Si l’étape de travail est assez aboutie du point de vue dynamique, que l’interprétation sonne juste, c’est finalement le texte qui ennuie, par volonté de toujours chercher à dépasser les limites, dans un style qu’on devine vouloir se rapprocher d’un William S. Burroughs, mais plutôt gratuitement, au fond.

C’est de nuances dont manque ce Journal d’un jeune branleur… Ce personnage ennuie car il n’évolue pas. Et finalement, son portrait, se voulant porte-parole de sa génération, semble réducteur et passablement abrutissant. Comme les images vulgaires défilant à l’écran : à vous filer la nausée.

V.D.

De procès d’intention en procès d’intention, une situation qui dégénère. Concrètement, pourtant, rien. Un type croise un flic. Ni une ni deux, c’est l’arrestation.

Une approche assez originale tant dans le texte, qui laisse la part belle au flic, que dans la scénographie qui englobe le spectateur au cœur de l’action, et contribue à renforcer la sensation de danger par l’imbrication physique dans ce jeu du chat et de la souris.

Un moment de poésie naît de cette tension, car le développement du policier est intéressant et évite (à tout prix ?) les clichés. Le texte parvient à tenir en haleine, ce qui n’était pas évident du fait de monologues assez sévères. Le policier, dans ses tirades enflammées, prend des airs prophétiques, même si dangereusement instable. Même si moins développé, le personnage du jeune est pertinent, ne serait-ce que dans la douleur. Cette douleur partagée, celle d’être cantonnés à des stéréotypes. Un combat acharné contre une forme de déterminisme social, en marchant sur des œufs ou en mettant les pieds dans le plat, évoquant des questions de drogue, d’alcoolisme ou de suicide. « Que du bonheur » pensera-t-on, mais pourtant c’est avec finesse et légèreté que les sujets arrivent sur le tapis, sans découpage sous formes de tableaux… On aurait pu craindre que l’auteur ne cherche à remplir un cahier des charges des sujets lourds à aborder, mais il n’en est rien : les personnages évitent aisément nos attentes, humanisés avec justesse.

Le temps s’arrête, notre respiration aussi, tandis que la force de l’ordre (au cerveau bien perturbé, pourtant) semble perdre pied. A sa merci, sa proie est à l’article de la mort. Dans une atmosphère irréelle accentuée par ces néons clignotants, rappelant les lampadaires déglingués d’un quartier pauvre, attente d’une détonation qui n’a pas lieu, qu’on souhaiterait presque pour abréger la souffrance du prisonnier.

Seule la fin, abrupte, surprend sans réellement convaincre. L’arrestation du temps, de ce combat, prend soudain fin, mais on ignore tout de ce qu’en retirent les deux chevilles ouvrières de ce drame humain… Difficile de songer que ce n’est pas l’important, surtout quand tous les éléments de la pièce travaillent à rendre ces deux personnages humains et dignes, ce indifféremment de leur rang social. Un climat de terreur qui aurait gagné à perdurer. Syndrome de Stockholm, quand tu nous tiens…

V.D.

Regard sur l’adolescence, ETB propose une immersion dans cet état transitoire…

Au cœur des préoccupations adolescentes sont passés au crible le souci de se construire, le poids du regard de l’autre, la difficulté à accepter ses propres sentiments, les premières amours et les premières grosses gamelles, aussi… Si ces angles d’attaque, articulés autour d’un triangle amoureux pour permettre une narration dynamique, ne sont pas des plus originaux, ils font bien écho aux questions que se posent les jeunes à un âge charnière.

Le bémol, c’est peut-être la mise en perspective de ce point de vue… Si les dialogues sont intelligemment écrits au service de la narration et les thématiques abordées au travers d’un parler sincère et audible pour les jeunes, les adultes, eux, risquent parfois de se sentir vieux cons.

L’interprétation, en particulier du personnage d’Elisa, est assez criarde : l’envie prend parfois de secouer ce personnage pour qu’il arrête de bramer contre le reste du monde : se construire avec ses propres convictions, après tout, hypothétiquement, Elisa le pourrait. Ce qui la retient, c’est seulement le crédit qu’elle accorde à ceux qui l’insupportent. Cet exemple peut s’étendre à ETB, dans le sens où le « transitoire » du titre reste flou. En quoi les ados ont-ils avancé à la fin de la pièce ? Sont-ils plus adultes ? Révoltés, ils l’étaient au début, ils le sont restés, mais n’ont pas changé les fondements de leur malaise. Acceptation ? Non plus. Dès lors, le doute est permis…

L’effet de catharsis ne semble donc efficace que pour ceux qui traverseraient un cap difficile… Pourquoi l’adolescence serait synonyme de crise, aussi ? Le postulat est tendancieux. Alors, « vivre », fort bien, mais fallait-il que ce mot apparaisse comme une chute ? La pièce n’aurait-elle pu commencer ici pour nous emmener ailleurs, sur une planète où les adolescents essaient de changer le monde autrement qu’en geignant ?

C’est l’énergie des trois interprètes et l’écriture des dialogues d’ETB, véhicule d’une sensibilité écorchée, qui sauvent le navire. La mise en scène, épurée, permet de se focaliser sur le propos, pour se concentrer sur l’impact des prises de gueule, des coups de bec. La vidéo, malgré son peu de lisibilité, permet à la pièce de reprendre un peu d’oxygène et de développer le propos à renforts de notions-clés manipulées avec poésie. Derrière, l’intérêt deviné à poser des questions pertinentes sur le sujet, et permettre une prise de recul sur l’adolescence « littérale » jouée sur le plateau.

ETB, au final, reste audacieux et plein de vie, mais l’énergie semble déployée au détriment de la distance sur le propos. Un pari risqué pour ceux qui n’arrivent pas à rentrer dedans où à s’identifier aux protagonistes, pour une pièce qui apparaît encore un peu verte… Du potentiel à mûrir, à surveiller de près.

V.D.

A l’entrée, un drink, pour une soirée placée sous le signe des mondanités.

Avec In vitrine, le public est convié à la fête d’anniversaire surprise d’Alice organisée par ses compères Marie et Hervé. Un jeu de complicité entre les acteurs et les personnes bien installées dans les fauteuils de L’Ancre gomme petit à petit le rapport classique à la scène, tant cette situation, dans un théâtre, apparaît décalée et loufoque.

Loufoque, et pourtant basée sur un certain nombre de conventions sociales, ici détournées et transformées en saynètes et arguments théâtraux. Conditionnée par l’obéissance au planning chronométré, la soirée déploie tout son potentiel critique. C’est avec la mécanisation du jeu et des séquences, et surtout de l’interprétation, forte des regards échangés et des silences gênés, que le propos du collectif Rien de Spécial fait mouche.

Le dispositif scénique n’est pas en reste. Les quelques éléments de décor très aseptisés à la sauce Ik*a et les bonnes trouvailles bricolées créent la surprise et apportent beaucoup de fraîcheur à la pièce. Au niveau des choix esthétiques, un certain amour du kitch et de l’artificiel transparaît en fil rouge, que ce soit dans les costumes ou les procédés narratifs décalés : diaporama et karaoké pour ne citer que ceux-ci…

Si au départ, la salle rit à gorge déployée devant l’idiotie apparente des situations, c’est peu à peu plus timidement, et pour finir carrément jaune, par refus de se retrouver dans les situations dépeintes, que l’on entend quelques éclats dans la salle… Finalement, le comique de répétition finit par provoquer un certain malaise, signe sans doute que le propos atteint le public. Cependant, l’écriture aurait pu se resserrer autour de séquences plus diversifiées pour éviter une répétition trop lourdement appuyée… Car l’intention est relativement claire et l’exagération peut finir par lasser.

La critique portée par In vitrine trouve ses limites dans le sens où le théâtre est aussi un lieu de codes… Après tout, il reste de bon genre de rire d’une pièce intelligente en prétendant voir plus loin que les rites sociaux moqués. Comme divisés par zéro, on en ressort vaguement troublés, ne sachant trop s’il faut se montrer en train d’en rire. Redoutable !

V.D.

Arrivée en cercueil. Au fin fond d’une forêt, une espèce de pensionnat pour le moins spécial où de jeunes filles font leur éducation. Comme une mort scellée, car le sentier bordé de lampadaires semble sans issue. Dictature d’une éducation imposée, sans grand sens, mais pour aller où ?

C’est en embrassant le point de vue de jeunes filles qu’on plonge dans cet univers pour le moins inquiétant. Les plus désobéissantes semblent condamnées à vivre là, à gérer la vie des plus jeunes. Les meilleures n’ont pas nécessairement de meilleures perspectives d’avenir. Ici, on ne sort pas. Et la soif d’excellence n’est pas récompensée comme d’accoutumée… C’est la naïveté des répliques des enfants qui rend ce vase clos à la logique kafkaïenne plus sinistre encore. La cruauté comme seule loi ? L’ennemi est partout, et la menace se cache dans les plus innocents sourires.

L’ambiance sonore, telle une chape de plomb, accentue ce persistant malaise qui finit par dégoûter. A l’image de ces séquences sous-marines anxiogènes, le film prend le parti de nous noyer sous une avalanche de séquences sombres, souvent plus implicites que démonstratives. Pesant, angoissant, le film de Lucile Hadzihalilovic ne connaît pas vraiment d’éclaircies, et son dénouement peut laisser assez circonspect.

Ce qui passe comme évidence dans la fin du film ennuie, comme si quitter un enfer ne pouvait que mener à un nouveau, cette fois-ci plus minéral, moderne, mixte. Questionnant l’innocence du spectateur en attente d’une fin forcément tranchée, dans le bon ou le mauvais sens pour ses protagonistes, la réalisatrice pose plus de questions qu’elle n’apporte de réponses. Un parti-pris assez facile pour laisser soin au spectateur de reconstruire l’histoire lui-même, mais qui peine à convaincre. Bijou sombre, mais bijou en toc, Innocence séduit par sa noirceur, mais son éclat reste toutefois bien limité…

V.D.

Une invasion de coccinelles : c’est l’événement pour le moins incongru qui ouvre 17 filles, comme un signe avant-coureur que tout est possible.

Inspiré de faits réels, l’argument du film est à la fois simple et lourd de conséquences : à la suite de Camille, une poignée de lycéennes décide de tomber enceinte au même moment, avec l’envie de refaire le monde ensemble, et d’élever une progéniture tout aussi utopiste. C’est la facilité avec laquelle toutes les jeunes se laissent embarquer dans ce délire qui pose question.

D’une part, la future responsabilité de parent ne semble pas vraiment considérée avec sérieux par les protagonistes : elles ne se focalisent que sur leur envie d’enfanter, leur (besoin d’)amour, reporté sur leur enfant. L’argument matériel et concret (parce qu’un enfant ne vit pas d’amour et d’eau fraîche, quoi qu’on en dise) est nié en bloc, sur fond de crise adolescente et de rébellion contre les figures parentales. Du point de vue des adolescentes, leurs parents qui se mettent en quatre pour qu’elles ne manquent de rien passent à côté de l’essentiel. « On va pas devenir comme nos parents », sorte de leitmotiv, semble hanter ces filles au ventre rond, capables de ne se construire que par opposition au modèle parental. Comme quoi, l’esprit de contradiction peut aller loin…

D’autre part, les parents complètement dépassés par les événements font réellement peine à voir, englués dans leur immobilisme. A part rejeter la faute au corps enseignant, ils apparaissent en général bien ridicules, et on ne peut dès lors reprocher aux filles de rejeter les repères qu’ils leur imposent. Il est regrettable, en revanche de ne jamais vraiment accorder de crédit aux pères des 17 futurs nouveau-nés, qui rivalisent par leur absence de substance ou leur ridicule (50 balles et c’est réglé, merci, au revoir).  Pas le sujet, probablement.

Julia, forte tête du groupe, et instigatrice du délire de fertilité, cristallise peu à peu tous les espoirs et les craintes des 17 filles. Derrière l’assurance apparente, la fragilité du personnage est remarquablement portée à l’écran par Louise Grinberg, faussement féministe, vraiment paumée. Véritable chef de meute, c’est dans la dynamique de groupe plus que dans la question de la maternité qu’elle surprend, car c’est là que le film réussit à toucher au plus juste.

Il est assez triste, mais pourtant sans grande surprise, de voir les protagonistes échafauder des plans dont on sait qu’ils ne tiendront jamais la distance. L’idée folle de mutualiser leurs allocations et prendre leur autonomie se heurte à un magistral retour de bâton avec la malheureuse Clémentine, chassée du domicile familial. C’est là que le film bascule, en ramenant au principe de réalité, et scelle la fin du rêve.

Somme toute, une narration assez classique pour un phénomène pour le moins surprenant… Un film qu’une séquence de jeu avec un ballon de feu, à l’image du ventre des protagonistes, pourrait simplement résumer. Sans morale réellement arrêtée, ces 17 filles troublent, mais on ne sait trop qu’en retirer, sinon une boîte de préservatifs au distributeur…

V.D.

Les géants, ou l’histoire d’adolescents livrés à eux-mêmes, en roue libre au fin fond de la campagne.

Plus d’adultes responsables, et bientôt plus de ressources… c’est le point de départ de ce film au croisement du road-movie et de la chronique d’une jeunesse désœuvrée. Au fil des tribulations de ces trois jeunes, de galère en galère, Bouli Lanners prend plaisir à nous perdre dans les méandres de la forêt où ses jeunes antihéros vont croiser une belle galerie de seconds rôles, aussi décalés les uns que les autres, dont la plupart sont assez inquiétants. Un environnement hostile avec lequel les gamins doivent composer pour subsister : même si souvent comiques, les situations cruelles, parfois un brin surréalistes, dépeignent un univers impitoyable où les faux pas sont lourds de conséquences.

Et puis ? Bientôt dépossédés, les jeunes traversent différentes états, de l’ennui à la jubilation, du désespoir à la colère, sans retenue… La recherche de satisfaction immédiate, les bêtises aux effets inconsidérés, les lendemains péroxydés composent une belle ode au seul instant présent, l’unique réalité de ces gamins désaxés.

Néanmoins, si l’issue n’est pas des plus tragiques pour ces adolescents en totale errance, c’est sans savoir vers quoi ils vont qu’ils sont abandonnés par nous, spectateurs. Portés par leur énergie de continuer d’aller de l’avant sans se soucier du reste, un peu endurcis par leurs désillusions, ils continuent leur route, en ramant, image loin d’être innocente.

C’est le renoncement à faire confiance au monde des adultes, l’image du téléphone qui coule dans la rivière, et les regards lourds de sens, qui resteront imprimés dans les rétines. Et la mélancolie à se laisser porter à la surface de l’eau, sur la musique aérienne du Bony King of nowhere, aux ballades à la saveur douce-amère…

Une soirée pour rappeler chacun à ses souvenirs de feu de camp, et le sentiment que le monde est là, devant nous, que tout est encore possible…

V.D.

Jamais la cellule familiale n’aura autant évoqué la séquestration. Immersion au cœur d’une villa où on aboie, ou les chats sont une menace à prendre au sérieux. Une famille où l’on cueille des zombies et on se lèche pour arriver à ses fins.

Revisite de l’allégorie de la caverne de Platon, Canine (ou Dogtooth ou Kynodontas) est un film réellement étrange tant par sa forme que par le traitement de son sujet. Ses héros, des jeunes qui ne le sont plus vraiment, sont maintenus dans une espèce de dépendance oppressante par leur géniteur, tyran aux traits durcis, impassible et impitoyable.

Un film de contrastes. Contraste entre le jardin propret, les décors immaculés, la lumière crue du ciel, et la noirceur du propos, la violence des faits. Sans réelle pudeur, dans un silence pesant et une perpétuelle sensation d’étrangeté, les protagonistes dévoilent leur fragilité, leurs rêves déchus, et leur peur fabriquée par la figure paternelle, nous posant la question du formatage.

Pourtant, dans le traitement, Canine peut tendre à exaspérer par son côté intello et auteurisant, et par son écriture plutôt conventionnelle… Un gros problème de rythme, surtout, et la conduite uniforme de ses acteurs, pour la plupart assez mono-expressifs, ne permet pas de maintenir l’intérêt sur le long terme : quand les rouages de la tragédie sont mis en place, les dés sont déjà jetés, et le reste n’est plus qu’attente…

Au final, un film qui se casse les dents sur une question de forme alors qu’il aurait pu continuer de surprendre en s’éloignant de cette démarche jusqu’au-boutiste mais sans surprise. Un potentiel barricadé derrière l’envie devinée de se concentrer sur de brèves scènes choquantes, coups d’éclats aboyés par Yorgos Lanthimos, mais trop vite oubliés. Le coffre de la voiture qu’on aurait aimé infiltrer auparavant, pour suivre de doux dingues arrachés à leur microcosme, vers d’autres horizons. Ce que développait par exemple un certain Rolf de Heer dans le plus abouti Bad Boy Bubby…

V.D.

Oliver Tate, adolescent à l’âme littéraire, un rien introverti, s’éprend de la fatale Jordana et sa redoutable coupe au carré. Si le pitch n’a rien de bien original, Submarine n’en est pas moins agréable à découvrir.

Car au delà d’une amourette classique, il y a de la matière.

Dans l’intrigue, car en parallèle, l’enjeu pour Oliver est de rabibocher ses parents, menacés d’adultère par une sorte de gourou-ninja qui rivalise de manipulation et de ringardise, mais fait la convoitise de la mère du protagoniste.

Dans le propos, car sans passer du côté de la vulgarité gratuite, Richard Ayoade aborde des thèmes adultes sans langue de bois. Une démarche simple mais un véritable souffle de fraîcheur pour un film qui aborde la sexualité sans grand renfort d’humour potache ou vision extrême et/ou trash… ce qui a le mérite d’être assez rare pour être souligné. Au milieu du marché des teen movies, il est particulièrement agréable de pouvoir découvrir un film faisant appel à un semblant d’intelligence, loin des traditionnelles répliques scato et des excès motivés par le désir de monter la  bande-annonce la plus aguicheuse possible.

Dans la forme, celle d’un journal intime, suivi avec la voix-off d’Oliver, au fil d’un monologue plein de malices. D’habiles références au cinéma comme autant de clins d’œil appuyant des effets de style pour appuyer un regard ou transmettre une émotion. Sans sensiblerie, une pudeur dans l’écriture qui permet un réel attachement au personnage principal, porté à l’écran avec brio par le jeune Craig Roberts, qui pour son premier grand rôle, n’a assurément pas à rougir.

Malgré l’évolution de l’intrigue amoureuse, qui perd un peu de son élan dans une seconde partie moins rythmée, reste le plaisir de suivre le parcours de cet adolescent à l’imaginaire débordant et à la sensibilité bien réelle, malgré son élocution mesurée. Un portrait touchant d’une jeunesse les pieds dans l’eau, pas sûre de ses sentiments, porté par une bande son au charme « so british », à l’image du film lui-même… Submarine fait l’effet d’une bonbonne d’oxygène dans un océan de productions filmiques surfant sur la vague du jeunisme. La faute à la patte bien marquée d’un réalisateur particulièrement inspiré. Puisse Richard Ayoade pouvoir porter d’autres projets avec ce même talent, car Submarine compte nombre de qualités, et ce sentiment de cohésion… Du bel ouvrage, capable de torpiller le premier croiseur hostile.

V.D.

Avec la revisite de Cendrillon, Joël Pommerat savait pertinemment où il laissait traîner ses chaussures. Le pari est d’autant plus risqué que l’histoire a déjà été usée jusqu’à la toile. La réussite de la pièce n’en est que plus honorable.

Sandra est ici petite fille qui doit apprendre à gérer l’absence de sa mère, avec son père, largué sur de nombreux plans, fantoche qui sombre également dans l’oubli, bien qu’encore vivant. Ne parvenant à accepter les faits, Sandra vit dans le déni, et s’impose un rythme infernal, à l’image de la sonnerie de sa montre, enfantine et distordue, tout bonnement imbuvable… Pour entretenir le mensonge, elle veut croire, sans en démordre, que sa mère ne mourra vraiment que si elle cesse de penser à elle plus de 5 minutes d’affilée. Comme les enfants, elle espère, avec l’énergie du désespoir, que sa volonté a des vertus magiques.

Entre sa marâtre colérique et ses sœurs qui se disputent la palme de la bêtise, Sandra, surnommée « cendrier », qui par effet de téléphone arabe, deviendra Cendrillon, ne se soucie guère des corvées, puisqu’elle se les impose, comme pour se punir d’avoir manqué à son devoir. Pour gérer l’absence, elle reporte la faute sur elle-même et demande, en plus d’accepter, toujours plus de punitions. Sur une série de malentendus et de maladresses, elle ruine les espoirs de belle-mère, femme tumultueuse en sérieux déclin… qui au fond, ne rêvait que de rester désirable aux yeux d’un homme.

La recherche du prince charmant et la rivalité, thèmes phares du conte original, sont ici accessoires. La trame du matériau premier sert de prétexte pour une pièce traitant plus particulièrement du deuil, et du désir, sous plusieurs déclinaisons, son absence comme son regain…

L’éclairage, savamment dosé, laisse une part d’ombre à l’ensemble du casting, dont on devine plus qu’on ne voit les expressions. La voix, au micro, renforce une sensation de distance au plateau qui apparaît de plus en plus comme écran au fil des effets visuels qui filent à bon train. C’est un travail fin (même si occasionnellement tonitruant) sur les décors, les ambiances et les effets visuels, faisant irruption du palais cristallin à la chambre dénudée de Cendrillon, qui laisse une forte impression.

Les dialogues débités à la mitraillette, assumant leur ressort comique, désarçonnent régulièrement par leur côté rentre-dedans qui joue double-jeu avec la naïveté toute enfantine de la protagoniste, et sa façon de râler toute belge jusque dans ses intonations… La galerie de personnages secondaires, tout aussi savoureuse, accentue par sa superficialité la dramaturgie, par effet de contraste. Quel calvaire pour la jeune fille, corvéable à souhait, que de ne jamais côtoyer de personnages moins sots !

Une grande réussite formelle et des dialogues aussi jouissifs que drôles. Seul bémol, la distance au plateau, renforcée par le son, artificialisé par les micros, et l’excès de passage littéralement obscurs… Une pièce que les effets visuels, bien que bluffants, déréalisent peu à peu. Un sentiment de manque de chair induit par la mise en scène, ceci renforcé par une narration chorégraphiée, qui si elle est diablement stylisée, confine à l’abstraction, et nous éloigne encore de la vie sur le plateau. Attendre minuit pour pouvoir apprécier le propos sans sa beauté illusoire ? You wish…

V.D.